Zilkens Newsblog

Newsblog 43. KW 2023

In seiner 515. Ausgabe berichtet Stefan Kobel über Paris+ - die Verschiebung der Kunstmärkte von London nach Paris und so viel anderes, dass ich mich etwas kurzer fassen möchte.

Karlheinz Schmid hat es wahr gemacht - mit der 788. Ausgabe des Informationsdienst Kunst wurde das Erscheinen eingestellt. Wirklich schade, denn, auch wenn manchem Kritiker nicht genehm, war es gut recherchiert und brachte Informationen für alle am Kunstgeschehen Beteiligten. Nicht, dass ich nichts zu tun hätte - aber wenn es in seiner Redaktion jemand gäbe, der an kreativem Brainstorming Interesse hat - bitte sehr- mail genügt. Und an Karlheinz Schmid noch einmal ein herzliches Dankeschön.

Kunstsoziologie - also die Gesellschaftslehre von, über und aus der Kunst in Wirkungen und Wechselwirkungen auf diesselbe ist eine kleine Pflanze für eine Elite, die sich einer ebensolchen Sprache bedient. In Deutschland gibt es seit letztem Jahr "Artis Observatio" - Allgemeine Zeitschrift für Kunstsziologie und Soziologie der Künste - Herausgegeben von Christian Steuerwald und Nina Tessa Zahner. Je mehr man über das Thema liest, desto mehr fühlt man sich im Sprachraum der späten 60ger Jahre des vorigen Jahrhunderts angekommen - allerdings wunderbar modernisiert durch die stete Verwechslung von Sein und Tun, wie es den Gendergerechten auf den Hochschulen gut zu Gesicht steht. In Frankreich lehrt und schreibt eine, wenn man dem Wikipedia Eintrag folgt, umstrittene Soziologin namens Nathalie Heinich aus Marseille in nicht weniger komplexen Sätzen über Paradigmen und Paradoxon. Sie stellt fest: "Diese Mischung aus Pflichten und Verboten erzeugt eine Atmosphäre der Zensur und Selbstzensur, die an die nicht gerade fröhlichen Zeiten des Stalinismus erinnert." Das kling nicht freundlich und ist für alle Beteiligten nicht unbedingt als Lob zu verstehen. Erschienen ist das Ganze in einem Interview im Les Journal des Arts diese Woche. Und weil es so klar und komplex die Entwicklungen der letzten Jahre beschreibt veröffentlichen wir es hier (nicht autorisiert) im Anschluß an unsere guten Wünsche für die Woche.

Ihr Stephan Zilkens und des Team der Zilkens Fine Art Insurance Broker GmbH in Solothurn und Köln

INTERVIEW

Nathalie Heinich: "Eine Atmosphäre von Zensur und Selbst-Zensur".

Von Jean-Christophe Castelain - Le Journal des Arts

16 Oktober 2023

Die Soziologin kommentiert die aktuelle Praxis in der zeitgenössischen Kunst und benennt Paradoxon und Auswüchse

Manche sprechen von einer Uniformierung der Werke auf den Messen, haben Sie das festgestellt?

Wenn eine Praxis von einer großen Anzahl von Akteuren ausgeübt wird, wie es bei der zeitgenössischen Kunst der Fall ist, führt dies zwangsläufig zu einer Tendenz zur Vereinheitlichung, da die objektiven Möglichkeiten der Erneuerung und Innovation nicht unendlich sind - vor allem, wenn es, wie es derzeit der Fall ist, zu einer Konzentrationsbewegung bei Messen und Galerien kommt. Oder genauer gesagt: Es findet ein doppelter, widersprüchlicher Prozess statt, auf den ich am Ende von Paradigma der zeitgenössischen Kunst (Paradigme de l'art contemporain. Structures d'une révolution artistique (Gallimard, 2014) hingewiesen habe. Einerseits versucht eine Vielzahl von Künstlern, mit Mini-Innovationen zu existieren, die jedoch nur von Spezialisten wahrgenommen werden, die ihre Produktionen mit denen ihrer unmittelbaren Vorgänger vergleichen können; andererseits erzeugt der sehr in sich geschlossene, sehr selbstreferentielle Charakter dieser zeitgenössischen Kunstwelt für ein außenstehendes Auge einen auffälligen Eindruck von Gleichförmigkeit, Wiederholung und "Aber das hat man doch schon gesehen". Daher ist es schwierig, die Frage, ob sich die Dinge weiterentwickeln, einseitig zu beantworten: Für die "Insider", die Eingeweihten, erneuern sie sich ständig, während sie sich für die "Outsider", die Nicht-Spezialisten, ständig wiederholen.

Fällt Ihnen nicht die hohe Dunkelziffer von "jungen, vielversprechenden Künstlern" auf, die auf Messen und in Galerien lanciert werden und von denen man einige Jahre später nichts mehr hört?

Ja, das ist ein sehr auffälliges Phänomen, das sich leicht erklären lässt, wenn man die strategische Rolle der Kunstvermittler berücksichtigt und sich von der Illusion einer direkten Konfrontation zwischen Künstlern und ihren Werken auf der einen Seite und Zuschauern und Sammlern auf der anderen Seite verabschiedet. Denn Museumskuratoren und Ausstellungsmacher, Galeristen und Kunstkritiker sind keine passiven Vermittler zwischen der Produktion und der Rezeption von Kunstwerken: Auch sie haben ihre beruflichen Interessen und insbesondere, wie die Künstler, das Interesse, von ihren Kollegen als originell anerkannt zu werden, die in der Lage sind, innovative Künstler ausfindig zu machen, die von sich reden machen werden. Das "Paradigma der zeitgenössischen Kunst", wie ich es genannt habe, funktioniert nach dem Prinzip der Singularität, und zwar nicht nur für Künstler, sondern für alle Glieder der Anerkennungskette. Wenn man nun derjenige sein will, der als Erster einen Künstler "herausgebracht" hat, was gibt es dann Besseres, als sich bei den Jüngeren umzusehen, denjenigen, die noch nicht entdeckt wurden? Sobald diese "vielversprechenden jungen Künstler" jedoch entdeckt wurden, sind sie für ihre Förderer nicht mehr interessant, da diese sich weiterhin von ihren Kollegen abheben müssen, indem sie neue Hoffnungen entdecken. Es besteht also ein großes Risiko für einen Künstler, dass er die Aufmerksamkeit von Kuratoren, Galeristen und Kritikern nicht mehr auf sich zieht, sobald man seine besten Zeiten bereits hinter sich hat. Daher der beschleunigte Verfall junger Karrieren, mit vielen Künstlern, die auf der Strecke bleiben, nachdem sie in den Himmel gelobt wurden. Die Welt der zeitgenössischen Kunst kann erbarmungslos sein...

Sie haben gerade Le Wokisme serait-il un totalitarisme (Albin Michel, 2023) veröffentlicht. Inwieweit hat die zeitgenössische Kunst den Wokismus integriert?

Die Imperative der Inklusivität und Vielfalt, die für die "Woke"-Bewegung charakteristisch sind, lassen sich mit bloßem Auge an der Zunahme von Ausstellungen erkennen, die Frauen und Menschen mit dunkler Hautfarbe gewidmet sind, und zwar möglichst Frauen mit dunkler Hautfarbe. Die Kulturwelt entgeht dieser typisch nordamerikanischen kommunitaristischen Sichtweise nicht, die Menschen auf eine vermeintliche Zugehörigkeitsgemeinschaft reduzieren will, zum Nachteil ihrer persönlichen Qualitäten und ihres eigenen Verdienstes. Die Verpflichtung, bestimmte Personen nicht aufgrund ihres Talents, sondern aufgrund von Merkmalen, für die sie nicht verantwortlich sind (Geschlecht, Hautfarbe, sexuelle Orientierung usw.), sichtbar zu machen, wird begleitet von Verboten bestimmter Wörter ("Neger") und Darstellungen im Namen des Kampfes gegen kulturelle Aneignung, der angeblich die Verwendung von Ressourcen aus anderen Kulturen verbietet - was ein krasses Missverständnis des kreativen Prozesses selbst ist, der aus Mischungen, Inspirationen und Anleihen besteht. Diese Mischung aus Pflichten und Verboten erzeugt eine Atmosphäre der Zensur und Selbstzensur, die an die nicht gerade fröhlichen Zeiten des Stalinismus erinnert. Und die Angst, als "reaktiv" zu gelten, verhindert, dass man den Kopf hebt und gegen diesen neuen Obskurantismus protestiert, der im Namen von eigentlich progressiven Werten wie dem Kampf gegen Diskriminierung durchgesetzt wird. Die Universität wird von diesem neuen Zeitgeist überrollt, ebenso wie die Medien, die Politik, die Wirtschaft ... Und auch die Kunstwelt bleibt davon leider nicht verschont.

Wie lässt sich das scheinbare Paradoxon zwischen einer zeitgenössischen Kunst, deren Werke teilweise grenzüberschreitend und antikapitalistisch sein sollen, und ihrer Vereinnahmung durch den Markt und/oder die Luxusgüterindustrie erklären?

Sobald die Werke dazu bestimmt sind, eine Nachfrage zu befriedigen - sei es die Nachfrage von Käufern auf dem privaten Markt oder von Spezialisten in der institutionellen Sphäre -, können sie ihrer Verwertung kaum entgehen, egal wie transgressiv sie sind, und paradoxerweise umso besser, wenn sie transgressiv sind. Dies habe ich in Le Triple Jeu de l'art contemporain (Édition de minuit, 1998) als das "permissive Paradox" bezeichnet: Wenn zeitgenössische Kunst durch ihre Fähigkeit definiert wird, Grenzen (welcher Art auch immer) zu überschreiten, kann ihre Anerkennung durch die Fachwelt nur dazu führen, dass die zulässigen Grenzen zwischen Kunst und Nicht-Kunst erweitert werden, also zur Integration der Transgression, und damit zur impliziten Verpflichtung der Künstler, immer weiter in die Transgression zu gehen, wenn sie im Spiel bleiben wollen - ein dreifaches Spiel zwischen Transgression durch die Werke, Reaktion des Publikums und Integration durch die Institutionen und den Markt. Die Logik der Unterscheidung tut ihr Übriges: Wenn man viel Geld zum Ausgeben hat und den Willen, sich zu unterscheiden, wendet man sich außergewöhnlichen Produkten zu und trägt somit zur Aufwertung auf dem Markt bei. Unabhängig von den Beweggründen der Künstler, so "systemfeindlich" sie auch sein mögen.

Der Kauf zeitgenössischer Kunst ist für viele reiche Sammler zu einem Lebensstil geworden. Wie lange wird das noch so bleiben?

Solange, bis sie neue Kategorien von Objekten oder Praktiken finden, die einen Lebensstil definieren können, der doppelt und widersprüchlich durch den Willen zur Unterscheidung und den Willen zur Gruppenzugehörigkeit gekennzeichnet ist, d. h. durch den eigentlichen Mechanismus der Mode.